ROY LICHTENSTEIN

La década de los sesenta fue un periodo crucial en el desarrollo y evolución del arte
contemporáneo. y se produce la
mayor mutación en la Historia del arte contemporáneo.
El Informalismo se había convertido prácticamente en un academicismo reiterativo, razón
que marcó su declive y con él el de las diferentes tendencias de vanguardia que habían
dominado el siglo XX.
Frente a esta situación surgen diversas tendencias como respuesta:
que se entendió como una crisis de lo abstracto.
frente a la falta de expresión de la abstracción
refleja la realidad de la nueva cultura de masas a través de sus objetos.
comprensibles y críticos frente a la falta de contenidos del
Informalismo.
Esta encrucijada de estilos, junto al definitivo traslado del foco artístico desde París a
Nueva York, hacen que la década de los sesenta sea un periodo crucial para el arte en el
que si aún se mantiene el mito de la vanguardia, comienza a despuntar la Posmodernidad
que aflorará ya en la década siguiente.

ESTEBAN VICENTE: “nº 11”, 1960 LUCIO FONTANA, “Concepto espacial”, 1962
Segundas
vanguardias:
se va perdiendo la
figuración, la
referencia a lo real.
Avance hacia el arte más
conceptual de la postmodernidad
LUCIAN FREUD: “Interior
en Paddington”,1951
ANDY WARHOL:
“”Campbell Soup”, 1969
YVES KLEIN: “Venus blue”, 1961
BRIDGET RILEY: “Fiesta”

En 1962 gana el
premio de la Bienal de Venecia con
una obra Pop Art en la que eran
evidentes su impulso renovador y
la recuperación de elementos
neodadaístas referidos al empleo
de objetos.
Bajo esto epígrafe se agrupan una serie de tendencias como el Expresionismo Abstracto, el Arte Informal, la Pintura
Sígnica y el Arte Matérico, que tanto en Europa como en América, se desarrollan entre los años cuarenta y mediados de los
sesenta. Por informal se entiende ausencia total de formas reconocibles, máxima indeterminación y dispersión. Es un arte
libre de esquemas geométricos, de líneas regulares o de colores planos en la que cuenta la expresividad del artista dentro
de la no figuración: se valora el proceso creativo tanto como el resultado, lo que lleva a la denominada Action Painting y a
la creación artística casi como un espectáculo de la actividad febril y veloz del pintor. JACKSON POLLOCK, MARC ROTHKO
Asimismo la
al representar un
gesto con los procedimientos gráficos de un
cómic, evidencia de la total falta de impulso
natural de la legión de pintores informalistas.

“De la artesanía, a la producción en serie. Con la democratización de las
máquinas, llegó una nueva forma de consumir. Estanterías repletas de cajas,
botes y bolsas que repiten el mismo patrón de colores y formas comienzan a
poblar las tiendas. Ya no importa tanto que los productos sean únicos, sino
asequibles y ampliamente disponibles. Con punto de partida las
investigaciones de Duchamp sobre las cualidades estéticas de los objetos
cotidianos (con aquel urinario que es a la vez Virgen y Buda como máxima
enseña), las vanguardias de principios del siglo XX comenzaron a partir de ahí a
atisbar lo que de sublime puede tener lo banal.”
SILVIA HERNANDO, en Infolibre

…la incorporación de un mundo de objetos de consumo para
transformarlos en imágenes con un sentido plástico sacudió al
espectador de su rutina al colocar delante de él algo con un
sentido y un significado diferente al que se le atribuía.
Roy Lichtenstein: “El refrigerador”, 1962

Fue en los Estados Unidos donde el Pop Art arraigó de una
manera especial, adquiriendo su
El movimiento no fue bien acogido en un principio por parte de la
crítica norteamericana, pues daba la sensación de que los artistas
Pop echaban por tierra los logros alcanzados en la década
anterior por los artistas del
Pero al final acabó por implantarse y conseguir llegar al público
entendido e interesar a los grandes coleccionistas y marchantes.
Las grandes ciudades americanas, con su
acumulación abigarrada de objetos, arquitectónicos o publicitarios,
con la sociedad más capitalista y consumista del mundo,
constituyeron, no sólo el telón de fondo natural de esta nueva
tendencia, sino además su más importante fuente de inspiración.

RAUSCHENBERG: “Kennedy”
JASPER JOHNS: “Mapa” 1959
ANDY WARHOL: “5 botellas
de Coca-Cola”, 1962
ROY LICHTENSTEIN: “Mujer en el baño”, 1963
GEORGE SEGAL: “Mujer
peinándose en silla verde”, 1964
CLAES OLDENBURG:
“Dropped Cone”, 2001
Tom Wesselmann: “Naturaleza
muerta n º 24” 1962
JAMES ROSENQUIST:
“Marilin Monroe I”, 1962

.
Coleccionista, galerista y marchante de arte italiano. Nació en
Trieste en 1907 y murió en Manhattan en 1999.
Hijo de un banquero húngaro, recibió una esmerada
educación y, gracias a sus continuos viajes por toda Europa,
llegó a convertirse en un joven cosmopolita, culto y políglota
introducido en los ambientes más selectos. Su pasión por el
arte le llevó a abrir su primera galería en 1936, en París.
Viajó a Nueva York en el año 1941 y cursó estudios de
postgrado en Historia Económica en la Universidad de
Columbia. Adquirió el derecho a la nacionalidad americana al
hacer el servicio militar en los Estados Unidos.
En 1956, organizó, en Nueva York, la mítica "Exposición de la
calle 9", en la que presentó a 61 artistas, aún desconocidos y
que se apartaban de los movimientos establecidos.
Hombre capaz de crear mitos, con una gran intuición para descubrir nuevos valores y con un
interés incansable por lo novedoso, se convirtió en uno de los más importantes promotores del
arte de vanguardia. Fue uno de los impulsores del expresionismo abstracto, considerado como
el primer movimiento pictórico netamente americano, pero sin duda su fama la adquirió como
"descubridor" del pop art: en 1951 descubrió a Rauschenberg y Warhol, en el 1957 a Jasper
Jons y Twonbly. Después promocionó a los minimalistas y los conceptuales. Su galería
neoyorquina, abierta en el 57, fue uno de los centros neurálgicos del arte del momento, cuando
las vanguardias artísticas se sucedían en esta ciudad que había heredado de París el
protagonismo mundial de las corrientes artísticas en la segunda mitad de siglo XX.

(Nueva York, 1923-1997) Fue uno de los máximos
exponentes del arte pop americano. De familia
acomodada, de Manhattan. Durante su juventud,
desarrolla un gran interés por el dibujo y pasa mucho
tiempo dibujando y construyendo maquetas de aviones.
Su educación artística comienza en 1940 cuando al
finalizar la educación secundaria se inscribe en las clases
de verano del Art Students League of New York. Continúa
su formación en la Universidad Estatal de Ohio hasta que
en 1943 se une al ejército para servir en la Segunda Guerra
Mundial.
A su vuelta trabaja como oficinista y dibujante,
agrandando para su oficial viñetas del periódico del
ejército Stars & Stripes (Estrellas y Barras). Vuelve a la
universidad y tres años más tarde obtiene una licenciatura
y un máster en Bellas Artes, en 1946 y 1949
respectivamente, entra en el programa de postgrado y es
contratado como profesor de arte.
Como pintor, escultor y grabador recibe numerosos premios internacionales y
distinciones académicas de varias universidades. La Medalla Nacional de la Artes le es
concedida en 1995. En el momento de su muerte, en 1997, a los 73 años, estaba
empezando a investigar una nueva realidad fabricada, los llamados “cuadros virtuales”.

, de la vida
cotidiana y de la cultura de masas, que sacaba de la
publicidad, los cómics y las revistas populares. A través
de estas composiciones, en apariencia sencillas,
pintadas casi exclusivamente con colores primarios,
hizo una personal crítica del mundo contemporáneo.
que había en los
papeles de envolver chicles, libremente interpretadas y
mezcladas con imágenes sacadas de los cuadros del
Viejo Oeste de otro artista estadounidense, Frederick
Remington. Son ampliaciones de los personajes de los
dibujos animados, reproducidas a mano, con la misma
técnica de puntos y los mismos colores primarios y
brillantes que se utilizan para imprimirlos. Imágenes
comerciales de producción masiva.
 Sus últimas obras, entre las que están las
de la crónica social,
muestran la influencia de Henri Matisse y Pablo Picasso. También sus esculturas
recrean los efectos de los cómics. Ha realizado obras en cerámica.
 El caracteriza la obra de Lichtenstein, como lo hizo en el trabajo de
muchos de sus contemporáneos del arte pop como Warhol.

 Variedad de técnicas: óleo, pastel, acuarela, tinta, lápiz y en estampas realizadas a
partir de grabados de madera y de lino.
 Pintura acrílica de secado rápido soluble en aguarrás llamada Magna para las
grandes superficies de sus lienzos, pero, dado que ésta se seca demasiado rápido,
sigue pintando los puntos Benday (método cercano al puntillismo) con óleo, usando
para ello unas plantillas de metal perforadas.
 Lichtenstein revierte la tendencia de la automatización en las artes visuales con su
reproducción a mano.
 Cromatismo plano y brillante. Utiliza sobre todo colores primarios: rojos estándar,
amarillos, azules. Figuras delineadas con perfiles en negro.
 Formatos grandes, ampliaciones de los personajes de los dibujos animados.
 Técnicas específicas del cómic, tales como las burbujas de diálogo.
 Cuadros abstractos, luminosos y muy empastados.
 Contraposición de tramas, superficies lisas.
 Utiliza materiales industriales como plexiglás, metal, motores, lámparas y un plástico
multi-lente llamado Rowlux, que produce un efecto de resplandor.
 Incorpora el bronce a su repertorio de materiales.
 Realiza esculturas a gran escala en latón y cristal tintado inspiradas en diseños Déco.
 Pinturas modulares con imágenes de estos mismos diseños.

Es una técnica de impresión empleada en el método de reproducción de
documentos e imágenes sobre cualquier material, y consiste en transferir una
tinta a través de una malla tensada en un marco, el paso de la tinta se bloquea en
las áreas donde no habrá imagen mediante una emulsión o barniz, quedando
libre la zona donde pasará la tinta.
El sistema de impresión es repetitivo, esto es, que una vez que el primer modelo
se ha logrado, la impresión puede ser repetida cientos y hasta miles de veces sin
perder definición.
Es la expresión artística más característica del dadaísmo, que trata de
transformar objetos de uso cotidiano en obras de arte sin modificar su
aspecto externo siendo su principal objetivo generar una sensación de
absurdo y de sorpresa tratando, de este modo, de socavar todo concepto
artístico tradicional.
Los primeros ready-made fueron ideados y realizados por Duchamp en 1913.
Extensiones de puntos que imitan las
tramas utilizadas, como una técnica de
sombreado, en el diseño gráfico y la
impresión. Utilizados por Roy Liechtenstein.
Pintura acrílica de
secado rápido soluble
en aguarrás, para las
grandes superficies.

(…) “Lichtenstein, al igual que Warhol, no había encontrado aún un estilo
con el que se sintiera cómodo y por el que fuera inmediatamente
reconocible. Hasta que llegó a los cómics en 1961. Su método consistía en
encontrar una escena de tebeo dramática, recortarla y hacer un dibujo
exacto de esta. La ampliaba proyectándola sobre un lienzo, la dibujaba de
nuevo en una escala mayor, hacía algunos ajustes compositivos y luego la
coloreaba. El resultado era un cuadro de gran formato idéntico a la
pequeña viñeta original que le había servido de modelo.
Los cómics eran un territorio muy próximo para que los artistas del pop art
llevaran a cabo sus investigaciones, lo que explica que él y Warhol, igual
que otro pintor llamado James Rosenquist, llegaran a la misma idea casi
simultáneamente. Sin embargo, la diferencia entre ellos era el método
pictórico empleado por Lichtenstein. Este imitaba el estilo gráfico, las letras
y los bocadillos de texto de los cómics y también su proceso de impresión.”
WILL GOMPERTZ: "Qué estás mirando?

“En la década de 1960, los cómics
se imprimían mediante una técnica
llamada puntos Ben-Day. Se
basaba en los mismos principios
que el puntillismo de Seurat:
puntos de color aplicados sobre
una superficie blanca que nunca se
superponían y que dejaban una
mínima superficie entre ellos. El
ojo humano percibe un
«resplandor» de color alrededor
de cada punto y opera mezclando
los puntos de diferentes colores
que los rodean, lo que suponía un
ahorro para los impresores y para
los compradores de tebeos. Si la
impresión no cubría toda la
superficie de papel, sino que solo
se entintaban puntos de color, el
coste era mucho menor.
Lichtenstein copió este método y,
al hacerlo, surgió un estilo que hizo
que sus obras fueran reconocibles
al instante.”
WILL GOMPERTZ: "Qué estás
mirando?
ROY LICHTENSTEIN: “Oh, Jeff ... Te Amo, también ... Pero ... “, 1964

Utilización de plantillas como
en la pintura industrial
Roy Lichtenstein: “Hopeless”, 1962. Acrilico

1940: retratos y naturalezas muertas en la línea de
Picasso y Braque.
Estudia en un curso con el profesor Sherman
titulado Dibujar mirando, en el que los estudiantes,
sentados en la oscuridad, deben dibujar objetos
colocados o suspendidos en medio de una habitación,
iluminados durante un solo segundo por un fogonazo
de luz. A partir de ese momento, las teorías de
Sherman sobre la “percepción organizada”
constituyen la base del trabajo de Lichtenstein.
Realiza esculturas de estilo precolombino.
En 1948 Lichtenstein forma parte de una exposición
colectiva en la Ten-Thirty Gallery de Cleveland, una
cooperativa de artistas. Allí expone cuadros de
músicos, de obreros, de un piloto de carreras y hasta
de un buzo de alta mar, pintados a partir de sencillas
formas biomórficas bien delineadas, que plasman el
estilo caprichoso e infantil de Paul Klee.
1949: personajes inspirados en cuentos de hadas a
los que rodea de una selección de flora y fauna
surrealista.
A comienzos de 1952, Lichtenstein se une al elenco de
artistas de la John Heller Gallery en Nueva York y
expone interpretaciones de destacadas obras del
siglo XIX americano. Otro motivo destacado en la
obra correspondiente a su periodo pre-Pop son los
vaqueros e indios americanos.
"The Cowboy (Red)”, 1951

Primera exposición en solitario en Nueva York, en abril de 1951 en la Carlebach Gallery.
"El final del camino”, 1951

"Washington que cruza Delaware”, 1951

En el otoño de 1957, Su obra se vuelve más abstracta y expresionista.
En 1958 se pueden descifrar imágenes de Mickey Mouse, el Pato Donald y Bugs Bunny ocultas en
algunos de sus trabajos.
1959: Sus cuadros abstractos, luminosos y muy empastados, se exhiben en la Riley Gallery de Nueva York.
"Perseguido por los indios americanos”, 1952
A comienzos de 1952,
Lichtenstein se une al
elenco de artistas de
la John Heller Gallery
en Nueva York y
expone
interpretaciones de
destacadas obras del
siglo XIX americano.
Otro motivo
destacado en la obra
correspondiente a su
periodo pre-Pop son
los vaqueros e indios
americanos.

En el otoño de 1957, Su obra se vuelve más abstracta y expresionista.
En 1958 se pueden descifrar imágenes de Mickey Mouse, el Pato Donald y Bugs Bunny ocultas en
algunos de sus trabajos.
1959: Sus cuadros abstractos, luminosos y muy empastados, se exhiben en la Riley Gallery de Nueva York.

 Comienza una serie con cabezas realizadas en
cerámica y con platos y tazas apilados. Pinta
grandes óleos a base de gigantescas pinceladas
que cruzan el lienzo.
 Crea paisajes terrestres y marinas utilizando
materiales industriales como plexiglás, metal,
motores, lámparas y un plástico multi-lente
llamado Rowlux, que produce un efecto de
resplandor. Comienza su serie sobre pintura
moderna inspirada en los motivos Art Déco del
Radio City Music Hall del Rockefeller Center en
Manhattan e introduce en su trabajo el efecto
de graduación de los puntos Benday.
 Crea su primera serie de esculturas a gran
escala en latón y cristal tintado inspiradas en
diseños Déco. Poco después llegarán las
pinturas modulares con imágenes de estos
mismos diseños.
 Introduce el tema de los almiares y de la
catedral de Rouen vista a distintas horas del
día. inspirado por las series de cuadros de
Claude Monet,
 Realiza su primera y última película para el
programa Arte y Tecnología de Los Ángeles
County Museum of Art.
 Su serie más famosa apareció en la década
de 1960, cuando presentó una conjunto de
piezas que partían de imágenes tomadas del
mundo del cómic, presentadas en formatos
grandes sobre una trama tipográfica de
puntos, sobre fondo blanco. Su intención era
despojarlas de toda intencionalidad y
reducirlas a meros elementos decorativos, a
lo que contribuía la restricción de colores,
reducidos a amarillo, rojo y azul, perfilados
por gruesas líneas negras.
 A principios del verano de 1961 pinta Look
Mickey, su primer trabajo clásico con una
viñeta, en el que emplea un efecto de media
tonalidad con los puntos *Benday que
obtiene sumergiendo un pincel de pelo de
perro en pintura de óleo. Ese otoño Leo
Castelli acepta representar las obras de
Lichtenstein y las ventas pronto se disparan.

Lichtenstein buscaba la imagen clara y contundente
que el espectador pudiera reconocer al instante.
Roy Lichtenstein: ”Look Mickey”, 1961

"Lavadora“, 1961
Roy Lichtenstein: “Keds”, 1961

Roy Lichtenstein: “Neumático” , 1962
Lichtenstein elevaba a los altares el objeto, le otorgaba el
don de la individualidad y lo transformaba en abstracto.
Roy Lichtenstein:“Golf ball”, 1962

“Ovillo de cordel”, 1963“Lupa”, 1963

“El anillo (Compromiso)”, 1962

“Art“, 1962
“Para Lichtenstein era casi imposible observar el arte con la reverencia que le otorgaba la clase media
educada. El aura que lo envolvía era como un globo de aire caliente que Lichtenstein no podía evitar
pinchar. El cuadro de gran tamaño “Art” era un signo para ser colgado en la pared que implicaba que su
propietario era un coleccionista, una persona cultivada. ¿En qué se había convertido el arte, sino en una
mercancía, un símbolo de la clase coleccionista?... (…) el arte merecía que se lo pusiera de nuevo en
contacto con la realidad en forma de cultura popular.” JANIS HENDRICKSON

Roy Lichtenstein: “Girl with ball”, 1961 Roy Lichtenstein: “El refrigerador”, 1962
Contornos negros con una paleta que se reducía al blanco,
el negro y los colores primarios (amarillo, rojo y azul).

En febrero de 1962, Leo Castelli exhibe los cuadros de
Lichtenstein en una exposición monográfica de obras basadas
en las series de tiras de cómics e imágenes publicitarias
rudimentarias de la prensa. A lo largo de ese año, el trabajo
pop de Lichtenstein se muestra en seis grandes exposiciones
por todo el país. Sus obras son expuestas junto a las de otros
artistas pop como Andy Warhol y Jasper Johns en Leo Castelli
Gallery, donde en 1962 todas las obras de su exposición
individual se venden anticipadamente antes de la
inauguración. La influencia de los coleccionistas pesa más que
la de aquellos críticos que consideran sus representaciones de
objetos cotidianos y viñetas de comic vacías y vulgares. Las
series de lienzos basadas en viñetas de mujeres de DC Comics
e imágenes de explosiones lo posicionan como uno de los
artistas Pop Art más reconocidos en la escena internacional.

En los cuadros-viñeta que
lo hicieron popular, la
acción se sitúa fuera del
lienzo y lo que captura el
pintor es un momento sin
principio ni final,
coronado con una frase
enigmática dentro de un
bocadillo. Siempre
consideró la composición
como uno de los pilares
fundamentales de un
cuadro. La contraposición
de las tramas, las
superficies lisas y las
burbujas buscaban ser un
collage de texturas.
Roi Lichtenstein: “Masterpiece”, 1962

Roy Lichtenstein: ”El beso”, 1962
El beso fue una de las
primeras pinturas de
"tiras de cómic" por las
que Roy Lichtenstein se
convirtió famoso en los
círculos artísticos.

Roy Lichtenstein: ” Eddie Diptych”, 1962

“Mujer en el baño”, 1963
1963: comienza una serie
sobre mujeres de
programas televisivos y
motivos bélicos de la
Segunda Guerra Mundial
que había encontrado en
las páginas de D. C. Comics.
Con un proyector opaco
amplía en sus lienzos los
bocetos realizados con
lápices de colores y
comienza a usar una
pintura acrílica de secado
rápido soluble en aguarrás
llamada Magna para las
grandes superficies de sus
lienzos, pero, dado que
ésta se seca demasiado
rápido, sigue pintando los
puntos Benday con óleo,
usando para ello unas
pantallas de metal
perforadas que adquiere
en tiendas.

Una joven llora a mares en el río
de sus propias lágrimas, Se está
ahogando en sus emociones y se
ha abandonado a las fuerzas
destructoras. Brad debe haberla
herido profundamente y prefiere
la muerte antes que pedirle
ayuda.
Lichtenstein adopta una técnica
de cómic sofisticada. La cabeza
de la chica es monumental, el
cuadro tiene casi la misma
medida que una mujer alta. Yace
en el agua como si fuera una
cama, una mezcla de erotismo y
de lugar de reposo final.
La elegante ola, a modo de
almohada es una adaptación de
“La gran ola” del artista japonés
Hokusai según admitió el propio
Lichtenstein.
JANIS HENDRICKSON
Roi Lichtenstein: “Chica ahogándose”, 1963

Roy Lichtenstein: “En el coche”, 1963. Magna sobre lienzo. 76 x 101.6 cm.
En noviembre de
2005, Christie’s
vendía un lienzo (In
the car) de tamaño
medio de
Lichtenstein por
16.256.000 dólares
(12.558.600 euros).
euros).
La cantidad más alta
pagada en subasta
por una obra de uno
de los grandes
nombres del arte
pop.
La pintura muestra
a una pareja en el
interior de un
automóvil. Y está
pintada con esa
fórmula de puntos
gruesos simulando
una viñeta de cómic
que le hizo célebre.
A la sociedad y a los artistas les interesa ese enorme potencial que tiene el coche para narrar historias.

Roy Lichtenstein: “I Konw Brad”, 1963
“Pensando en él”, 1963

“Good Morning, Darling”, 1964

“Ohhh... Alright...”, 1964. Óleo y resina acrílica Magna sobre lienzo

Roy Lichtenstein: “Crying girl”, 1964.

“Nos levantamos lentamente”, 1964

“La melodía me persigue en mi ensueño”, 1965

“Lo que hago es forma,
mientras que la tira de
historietas no está
formada en el sentido a
que me refiero; las
historietas tienen
formas pero no se ha
hecho ningún esfuerzo
por unificarlas
intensamente.
El propósito es
diferente: se pretende
reproducir, y yo
pretendo unificar.”
Roy LICHTENSTEIN
Roy Lichtenstein: “M-Maybe” (A Girl's PiclUrc), 1965
Magna sobre tela, 152X 152cm

M-maybe”, 1965
Comenzó a transformar las fórmulas del cómic
en un lenguaje pictórico. Los contornos eran
negros, la paleta se reducía al blanco, el negro y
los colores primarios (amarillo, rojo y azul). En
1961 empezó a aplicar extensiones de puntos
que imitan las tramas de impresión o puntos
Benday (en honor a su inventor, Benjamin Day,
ilustrador y grabador). En estas primeras obras
Lichtenstein los pintó a mano, pero después
adoptó un sistema de plantillas.

Entre sus pinturas, siempre de gran formato, destaca Takka, Takka de 1962, donde se aprecia la voluntaria
exención de dramatismo mediante la homogeneidad de la malla de puntos, el cromatismo plano y brillante
y la supresión de la gestualidad en la pincelada, para representar una escena de temática siempre banal.

Roy Lichtenstein: “Blang!”, 1962

Roy Lichtenstein: “Blam!”, 1962

“Destacar lo absurdo de la
agresión militar es un objetivo
secundario de mis pinturas de
guerra. Personalmente opino que
gran parte de nuestra política
exterior ha sido increíblemente
aterradora, pero no es de eso de
lo que trata mi obra, y no tengo
intención de sacar provecho de
esta pura postura popular. Mi
obra trata más bien de la
definición americana de las
imágenes y de la comunicación
visual” ROY LICHTENSTEIN
“Whaam”, 1963, pintura acrílica sobre lienzo.

“Pistola”, 1964“Lightning Bolt”, 1966

Roy Lichtenstein:“Foot and Hand”, 1964

ROY LICHTENSTEIN: “Explosión nº 1”, 1965

“Sweet Dreams Baby!”, 1965

“Head blu shadow”, 1964 “Head red shadow”, 1964 “Head black shadow”, 1965

“Ceramic sculpture”, 1965
“Ceramic sculpture”, 1965

“Ceramic sculpture, nº 10”, 1965

“Templo de Apolo”, 1964
El templo griego como símbolo de una atracción turística estereotipada.

"Paisaje ártico“, 1964
En 1964, Lichtenstein retoma las imágenes inventadas con una serie de
paisajes de horizonte compuestos principalmente de puntos Benday.

"Paisaje“, 1964
Se dejó influir en los sesenta, setenta, los ochenta y los noventa por el cubismo, el expresionismo y
el surrealismo. La abstracción comenzó con ejemplos como Landscape with column (1965) o Yellow
sky (1966). Continuó con las pinturas tipo mural de Figures in landscape (1977) y lo acompañó hasta
el final de su vida con paisajes minimalistas, de influencia japonesa, como Landscape in fog (1996).

ROY LICHTENSTEIN: “Paisaje”, 1966

“Pintura moderna con Sun Rays”, 1967 Petróleo y Magna sobre lienzo 122,3 x 172,7 cm

“Still life after Picasso”, 1964
”Paris Review Poster”, 1966

“Con su serie de pinturas sobre “Brushtrokes” (Pinceladas), Lichtenstein ironizaba acerca del culto exagerado que
la pincelada recibía en el expresionismo abstracto, como por ejemplo en los cuadros de Jackson Pollock y otros
artistas, aunque al mismo tiempo minaba el fundamento de la visión que el arte moderno tiene de si mismo,
basado en la originalidad artística y en el carácter único, por principio, de cada obra de arte. Lichtenstein aisló la
pincelada del contexto pictórico, la amplió y aumentó por medio de la proyección, y reprodujo el resultado en el
lenguaje estandarizado del cómic, especializado en la producción impresa en masa. “Pincelada amarilla y verde”
muestra dos garabatos superpuestos realizados con un pincel, junto con algunas salpicaduras de color…
“Pinceladas amarilla y verde”, 1966

“Pequeña gran pintura”, 1965
… Pero por muy
sencilla que pueda
parecer la
configuración del
cuadro, presenta una
complicada
estructura. El primer
ejemplo para la serie
procedía de un dibujo
del cómic, pero las
demás variaciones
son resultado del
penoso proceso de
pruebas y ensayos
llevado a cabo hasta
hallar la forma
deseada.. Lo que,
gracias a su admirable
dinámica se presenta
como una
constelación
espontánea,
prácticamente casual,
es el producto de un
complicado proceso
mecanizado.” KLAUS
HONNEF: “Pop Art”

“Gran pintura N º 6”, 1965

“Si las obras de Pollock o Rothko versaban sobre la existencia y los sentimientos, las de Lichtenstein y
Warhol se centraban en el aspecto material, y de paso eliminaban toda huella de sí mismos.
Lichtenstein incluso pintó un cuadro titulado Brochazo (Brushtroke, 1965) en el que parodiaba el
expresionismo abstracto y convertía el símbolo de la expresión personal (un gran brochazo gestual) en
un objeto impersonal y producido en serie.” WILL GOMPERTZ: "Qué estás mirando?
“Brushtroke ”, 1965

“ Yellow and red brushstrokes ”, 1966

“Brushstrokes”, 1965. Petróleo y magna sobre lienzo. 122 x 122 cm

“Pirámides”, 1968
“Pirámides”, 1969

CATEDRAL N º 6, DE LA SERIE CATEDRAL, 1969SERIE CATEDRAL Nº 4, 1969
Lichtenstein se
apropia de
géneros
existentes. En
sus obras se
aprecia su
predilección por
Picasso y
experimentará
con el cubismo,
pero también
con el
surrealismo,
futurismo y
expresionismo,
cogerá un
Picasso, un
Mondrain, las
catedrales de
Monet, el Jinete
Rojo de Carrá, y
los adaptará al
lenguaje del
cómic.

SERIE CATEDRAL Nº 5, 1960
MONET, CLAUDE, CATEDRAL DE ROUEN, 1894

“Espejo # 4”, 1970 “Espejo”, 1972
Espejos y entablamentos son motivos centrales
en sus trabajos de la década de 1970

“Espejo de Seis Paneles # 2”, 1970
Estos espejos
muestran un nivel
de abstracción tal
que si no fuera por
el título serían
difícilmente
reconocibles para
el espectador.

“Espejo de Seis Paneles # 3”, 1970
Los espejos
dan al artista
la oportunidad
de convertir
algo tan
inmaterial
como la luz en
una presencia
definida.

“Entablamento”, 1975
Los entablamentos están dibujados con las sombras que dan ellos mismos. Al igual que en
los espejos el juego de luz es esencial. El aspecto que más interesaba a la sensibilidad de
Liechtenstein era la repetición mecánica de elementos carentes de emoción.

"Uvas azules”, 1972
“Vidrio y limón en un espejo”, 1974
1971: deja Manhattan y decide irse a vivir y trabajar a Southampton, en la punta este de
Long Island. Lichtenstein toma prestados algunos temas de maestros modernos y pasa los
años siguientes creando naturalezas muertas que sintetizan su estilo propio y el de los
maestros. También empieza a experimentar con nuevos colores y texturas en sus cuadros.

Roy Lichtenstein: “Still Life with Goldfish Bowl”, 1972 “Naturaleza muerta con peces de colores”, 1974

“Plátanos y pomelo # 1”, 1972 “Cristal IV”, 1977

“Estudio de artista, Mira Mickey “, 1973

ROY LICHTENSTEIN

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