Escultura Griega, s. VII-s. I a. C. Características generales.

EL ARTE GRIEGO: LA ESCULTURA
Características Generales
Historia © 2025
Simon Ibarretxe
Escultura de un guerrero obra de Lisipo (s. IV a. C.). El espectador puede moverse
a su alrededor y tener una perspectiva desde todos sus ángulos.
Los Guerrero de Riace, s. V a. C.

Las bases de la civilización Griega, referentes históricos:
• Los griegos nunca constituyeron un estado unitario; eran una comunidad
de hombres libres (ciudadanos) con unos principios comunes: la libertad y
independencia individual eran las bases de su sociedad.
• La igualdad de derechos entre los hombres libres (los únicos ciudadanos),
fue uno de los pilares sobre los que se construyo la Democracia.
• El individuo, consciente de su valor, se convirtió en el eje de su cultura,
una “cultura antropocéntrica”, donde en palabras de Protágoras: “El
Hombre es la medida de todas las cosas”.
Época de formación:
s. VII - 475 a. C.
Periodo arcaico.
El siglo de oro:
s. 475 - 323 a. C.
La polis clásica.
Helenización del Mediterráneo:
s. 323 - 31 a. C.
Alejandro Magno.
Jinete Rampin, s. VI a. C. Venus de Arles, s. V a. C. Praxíteles. Alejandro como Helios, s. II-III a. C.

El arte griego ha marcado el
arte y la cultura occidental
hasta nuestros días.
Su historia es compleja:
pasa por distintas etapas.
Fue muy importante el
desarrollo de las Polis, las
ciudades Estado.
En la Antigüedad Grecia
estuvo dividida en pequeños
estados, pero la civilización
griega tuvo carácter
unitario.
Comienza a asentarse una
cultura de base humanística
en la que el hombre es la
medida de todas las cosas,
“el antropocentrismo”.
El antropocentrismo influyó
en la religión y en el arte,
que buscó la medida y la
proporción.
Los griegos eran politeístas,
sus dioses tenían forma y
actuaban como humanos.
El arte griego, no está
apegado a la religión ni a la
magia; es arte por el arte
como ideal de belleza.
Hay una explicación racional
del mundo, la cultura y el
arte, el amor por la belleza
entendida como suprema
armonía entre las cosas.
El arte está determinado
por la vida pública, por la
democracia. Grecia va a
crear unas bases para la
vida moderna.
De Grecia parte el principio
humanista y el ideal de
belleza que va a marcar a
Europa durante 25 siglos.
Se producen cambios
políticos y sobre todo
culturales muy importantes.

Características generales de la escultura:
Tipología:
Escultura exenta
Relieves
Materiales:
Mármol Bronce
Temas:
Figura humana
(antropocentrismo)
Dioses y héroes de
la Mitología
Jóvenes atletas
Simetría
Proporción
(canon)
Equilibrio
Expresividad
Volumen
Movimiento
“La escultura griega
representa la búsqueda
y la expresión de la
belleza ideal”.

La escultura cumple una función práctica, la “religiosa”.
También responde al deseo de contemplación estética, atrae por sí misma.
El CUERPO HUMANO tiene una absoluta primacía en las representaciones, hay una
búsqueda constante de nuevas soluciones formales, esta en permanente evolución.
La belleza se concebida como una medida, como la proporción entre las diferentes partes
del cuerpo, como una anatomía armoniosa, IDEALIZACIÓN DEL CUERPO HUMANO.

Aparece la necesidad de fijar un canon, es decir, un sistema de relaciones
matemáticas, buscando la perfección, las medidas ideales entre todas las
partes del cuerpo (escultura) y también en los edificios (arquitectura). La
tendencia a instituir una regla que corresponda con una representación
perfecta de cada parte y de éstas en el conjunto.
Policleto: Doríforo (V a.C.)
7 Cabezas.
Sin conocer el concepto, ya los egipcios utilizaron
el canon para la figura humana, pero en lugar de
tomar la cabeza como módulo, lo hicieron con el
puño, de forma que un cuerpo era bello si era de
alto 18 veces el tamaño del puño, distribuido
proporcionalmente en distintas partes del cuerpo
(dos para el rostro, diez desde los hombros a la
rodillas y seis desde éstas hasta los pies).
Lisipo: Apoxiomeno (IV
a.C.) 8 Cabezas.
Policleto estableció que la altura perfecta de
una figura humana era siete veces la altura de
la cabeza. (“El Kanon”, s. V a. C.)

“Principio de la diartrosis“. El
desnudo es como un esqueleto
perfecto, se acentúa la división entre
el tronco y las extremidades, en el
torso se marcan los pectorales, la
cintura y el pliegue inguinal.
“Postura del contraposto", que
rompe con la ley de la
frontalidad. Una pierna actúa
de sostén y la otra se flexiona,
desnivelándose la línea recta de
las caderas.
Conceptos básicos: la búsqueda del movimiento
Hermes por Praxíteles.
El Doríforo de Policleto. Apoxiomeno de Lisipo.
Curva praxiteliana: Tipo de
contrapposto exagerado
atribuido a Praxíteles. La curva
formada por la inclinación de la
cadera llega a ser muy
pronunciada y forma una “S”.
Apolo sauroktonos, Praxíteles.
s. V a.C. s. IV a.C. s. IV a.C.

Período arcaico.
s. VIII – s. V a. C.
La Dama de Auxerre.
Período clásico.
s. V – s. IV a. C.
Diana cazadora.
Período helenístico.
s. III – s. I a. C.
Púgil en reposo.
Podemos hablar, en general, de una escultura en constante evolución que nos lleva
desde lo casi lo abstracto y geométrico del período arcaico hasta la extrema y
dramática realidad de algunas escuelas helenísticas, pasando por el naturalismo
idealizado del período clásico.

Grecia: kurós arcaicos
Comparación de los modelos iconográfico: Egipto y Grecia
• Estatua egipcia de Ranofer, datada hacia el 2450 a.
C., proveniente de Saqqara y que se encuentra en el
Museo Egipcio de El Cairo.
• Al lado kurós ático del Metropolitan de Nueva York
datado hacia el 600 a. C.
• Se puede apreciar que la concepción de ambas
esculturas se basa en la geometría, la simetría y la
matemática.
• Los dos son representaciones ideales o estereotipos,
una del arte egipcio y la otra del arte griego.
Figuras claramente influidas por la
escultura egipcia: frontalidad,
geometrización del cuerpo humano, falta
de expresividad y ausencia total de
movimiento.
Tríada de Micerino
(3000 a. C.)
Kurós de Anavissos
(s. VI a. C.)
Egipto: Estatuas bloque
Evolución

Fidias, s. V a. C. Metopas del Partenón que
representan personajes mitológicos en escenas
de lucha.
Mirón, s. V a. C. El discóbolo,
representa a un Atleta justo en el
instante de lanzar un disco.
Escuela de Rodas, s. II a. C.
Victoria de Samotracia, la
Victoria con alas se posa sobre la
proa de un navío.
La representación del movimiento y la preocupación por el volumen constituyen también
objetivos básicos. Del hieratismo (falta de movilidad) de las representaciones arcaicas,
se llegaba a los movimientos serenos y contenidos de la época clásica hasta desembocar
en figuras agitadas, de movimientos violentos o en posiciones forzadas, en los momentos
finales del clasicismo y en la etapa helenística.
Polímedes de Argos, s.
VII-VI a. C. Cleobis y
Bitón, dos atletas
legendarios.

Será en la periodo clásico (s. V) cuando se inicie el esplendor de la escultura, como
consecuencia de la consolidación de los rasgos que se habían iniciado en la época de
transición: dominio de la anatomía, la simetría y el movimiento, aplicación del canon,
mayor expresividad, se capta la personalidad del personaje (“ethos”).
Fauno, Praxíteles. Apolo, Escopas. Hermes atándose la sandalia, Lisipo.

Los artistas griegos no se limitaron al exterior de las figuras sino que también trataron
de exteriorizar estados de ánimo (expresiones del espíritu) desde la impasibilidad de
las esculturas de la época arcaica, a la serenidad de la estatuaria de la época clásica,
hasta llegar a gestos de dramatismo, de dolor y desesperación de ciertas obras de la
época clásica pero sobre todo helenística.
Kuros de Anávisos Koré del Peplo
Escuela de Pérgamo. Gálata
suicidándose, s. III a. C.
Auriga de Delfos, s. V a. C.

En un origen la esculturas griegas tenían una función religiosa. Estaban destinadas a los
templos, bien al culto de los dioses o como exvotos (ofrenda que se le ofrecía a la
divinidad como agradecimiento de un don recibido); y a tumbas. También fueron
frecuentes las representaciones de atletas desnudos, de damas haciendo una ofrenda,
escenas mitológicas o hazañas guerreras.
Los griegos hicieron tanto esculturas de
bulto redondo como relieves (altos y bajos).
Poseidón, Apolo y Artemisa, s. V a. C. Relieve del Partenón.
Dios del cabo Artemisio, s. V a. C. Poseidón.

• Terracotas (figuras de barro cocido). Sobretodo en la época arcaica.
Las acróteras de los templos se solían hacer en este material.
• Caliza.
• Mármol. Fue el material más empleado y en el que están hechos los
mejores ejemplos de estatuaria griega.
• Bronce.
• Oro y marfil: Esculturas crisoelefantinas.
Hermes, terracotta.,
s. V a. C.
Kuros de Ática,
caliza., s. VII a. C.
Atenea Lemnia,
mármol., s. V a. C.
Auriga de Delfos, bronce,
s. V a. C.
Los materiales utilizados fueros diversos:

• Entre los materiales destacan el mármol y el bronce.
• Casi todos los grandes escultores griegos de la Antigüedad
utilizaron la técnica de la cera perdida para las esculturas
de bronce. Aunque obras en bronce originales nos han
llegado muy pocas.
• El bronce, siempre ha sido un material muy caro y muchas
de estas obras se fundieron quedando de los originales en
bronce las copias romanas en mármol.

Era una escultura policromada. Las obras escultóricas (hechas en terracota o
mármol) se cubrían de colores, aunque este aspecto no se puede apreciar en la
actualidad por no haberse conservado pinturas en la mayoría de las estatuas (además
muchas de ellas son copias romanas). Con ello acentuaban el sentido de realidad
Atenea Lemnia
Kore del Peplo
Dama de Auxerre
Paris héroe de Troya

ARCAÍSMO CLASICISMO HELENISMO
S. VIII – V a. C. S. V – IV a. C. S. III – I a. C.
EVOLUCIÓN DE LA ESCULTURA GRIEGA
• Fidias, Mirón, Policleto, ...
• Lisipo , Praxíteles, Scopas...
Escuelas de Rodas, Pérgamo,
Alejandría y Atenas.

Características de la escultura griega:
1. Preferencia por la representación del
cuerpo humano.
2. Antropocentrismo: el “hombre”, la medida
de todas las cosas.
3. Naturalismo en la plasmación de la figura.
4. Búsqueda del ideal de belleza humana,
basada en la proporción y el equilibrio de
las artes (canon).
5. Policromía (perdida con el paso del
tiempo).
6. Materiales más usados: mármol, piedra y
bronce.
Principales características de la escultura
griega por periodo artístico:
1. Estilo Arcaico: período de tanteos, el
artista utiliza en la representación
esquemas rígidos, convencionalismos, etc.
2. Periodo Clásico: consiguen plasmar la
belleza ideal física y espiritual, se
considera la culminación de la escultura.
Periodo con diferentes autores con estilos
particulares. Se distingue un progresivo
avance desde las formas ideales con
Mirón, Polícleto, Fidias, hacia un realismo y
mayor expresión de los sentimientos
humanos con Praxísteles, Scopas, Lisipo.
3. Periodo Helenístico: mezcla de la tradición
clásica con una nueva concepción de la
vida, desaparecen los ideales clásicos y
surgen nuevos temas y un tratamiento más
realista y expresivo.
Reproducción del Auriga de
Delfos, bronce, s. V a. C.
Afrodita, s. V a. C.
Luchadores, s. IV a. C.

Periodo arcaico, (s. VIII – V a. C.). Kurós - Korés
• Frontalidad y rigidez
• Una pierna ligeramente avanzada
• Sonrisa arcaica
• Músculos esquemáticos
• Ojos almendrados
• Influencia de la tradición egipcia
• Esculturas de mujeres, llamadas korai,
y hombres, llamados kuroi.
Periodo clásico temprano (s. V a. C.). Doríforo,Policleto (480-420 a .c.)
• Posturas más naturales
• La cabeza pierde frontalidad y mira
hacia otros lados
• “Contrapposto” (una parte tensa, la
pierna que aguanta el peso del cuerpo,
y la otra relajada)
• Brazos despegados del cuerpo y en
difer
entes posturas
• Reminiscencias arcaicas.
• El cuerpo expresa movimiento, pero
contenido.
• Aplicación del canon de belleza de 7
cabezas (proporción mate
mática entre
las diferentes partes del cuerpo).

Periodo clásico, (s. V – IV a. C.)
• Rechazo de la rigidez de las
esculturas anteriores.
• Mayor suavidad y armonía del cuerpo
• Aparición de la curva praxiteliana
(figura ligeramente arqueada).
• Mayor atención a los sentimientos y
emociones.
• Individualización de los retratos.
Período helenístico, (s. III – I a. C.).
• Representación del “pathos" (pasión,
sufrimiento, sentimientos,…)
• Ruptura radical con la serenidad y el
equilibrio clásicos.
• Mayor dinamismo y movimiento.
• Introducción de temas anecdóticos y
cotidianos
• Proliferación del grupo escultórico
• Influencia de la estatuaria asiática.

1- El Doríforo ("portador de lanza").
Escultura de Policleto, s. V a.C. Se
conservan copias de época romana
en mármol del original en bronce.
2- Baco. Escultura de Miguel Ángel,
1498. Primera escultura del artista,
tenia 21 años. Modelo clásico del
Renacimiento.
3- Adonis, 1818. Escultura
neoclásica del escultor danés
Thorvaldsen.
Influencia del Arte Griego en la escultura
Arte Clásico Griego Arte del Renacimiento Arte Neoclásico

1- Apoxyómeno (Lisipo), copia
romana en mármol (s. I), el
original era de bronce. Representa
a un joven atleta que se está
quitando la arena pegada a su
cuerpo debido al sudor.
2- David, (Miguel Ángel, 1504. Representa
a este rey bíblico a gran tamaño, al estilo
clásico: completamente desnudo y como
atleta. Porta en su mano izquierda una
honda (apoyada sobre su hombro) y, en la
derecha, una piedra.
3- Jasón y el vellocino de oro, 1803.
Obra con la que se hizo famoso
Thorvaldsen. Inspirada en el Doríforo
de Policleto.

“Afrodita de Cnido” de
Prexísteles, s. IV a.C.
“Venus con manzana” de Bertel
Thorvaldsen (1805)
“Venus”. Giovanni Bandini (1540-1599). La diosa
Venus de pie, siguiendo el modelo de las llamadas
Venus púdicas, dispuesta en una posición ligeramente
torcida y con la cabeza girada, dejando ver un
peinado elegante y delicado.

“Venus calipigia”, 1683-1686. Copia del
escultor francés de estilo barroco Jean-
Jacques Clérion de una estatua romana
que estaba en la colección Borghese. En
1695 el escultor Jean Thierry (1669-
1739) le añadió el velo por motivos de
decencia, para ocultar las nalgas.
“Venus calipigia”, s. II a. C.
«Afrodita de Bellas Nalgas»
Estatua femenina semidesnuda
de época helenística. La diosa se
levanta el peplo hasta la cintura,
mientras mira hacia atrás, para
mostrar las nalgas.
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Simon Ibarretxe
“Venus itálica”. 1804. La obra fue
creada en 1805 por Antonio Canova
como compensación por el traslado a
Francia en 1802 de la Venus de Médici,
requisada por los franceses durante
el expolio napoleónico.
Arte Clásico Griego Arte Barroco Arte Neoclásico

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